如临深渊，如履薄冰。
能耐得住寂寞，只顾耕耘，不问收获，尽人事，听天命。
对于艺术，最重要的是精神痛觉。
人的肉身会疼，刀割伤会流血。如果人不知道疼痛，就难以生存。痛觉是反馈信息，告诉人那样做不好。
但人的精神世界复杂得多，精神痛觉并没有进化得很完善。很多人麻木，不知死活，就是精神痛觉差。相应的战斗能力也差。
很多抑郁症，负面情绪过度，就是精神痛觉反应过度。
但精神痛觉诉说这样不对的同时，也意味着精神方面可能明白什么是对的。对和不对是对比出来的。人会感到饿，也会享受美食。
因此通过挖掘精神痛苦，当自己感到痛苦的时候追寻自己究竟要什么，就能把相应的正确模式解开。
所谓正确模式，也可以称为技艺，是漫长进化产生的，凭借特殊技艺，我们才得以生存下来，所以那是美的，是我们记忆深处的，是我们遗忘的，我们深爱的。
艺术，就是苏醒，展现我们最美的技艺，强化，发展我们的技艺。
我还是当初十一岁爱上画画的少年的模样；不忘初心！
个人观点，在有一定的美术基础上。最重要有3点：灵感，灵感，灵感！灵感从哪来，耳听目染！多经历！齐白石老先生为什么晚年学画都很牛，跟他的经历不无关系！
创作过程不受外界影响，心情主导作品，慢工出细活，
每个人的经历不同，思想境界不同，所描绘所表达的在不同人群中，感悟是不同的。
人生如画，人生如戏。看山不是山，看水不是水。它还是它，远看近看各有千秋。
世界万物终是人世的产物，当世的享受，来世的品尚！
最中心的要素应该是知道自己要表达什么！通过一幅作品传递什么样的情感。其次是绘画的题材
这是一个开放式的问题。借此机会谈谈我的个人想法。先亮观点：
我认为美术创作中的心理要素是孤独感
2014年6月，由于工作关系，我前去采访一位青年画家，并由此结识了这位青年油画家。我由朋友带着走进了画家的画室。这是一件承担着生活居住和绘画工作的空间，不足80平米。一间卧室，一间堆放材料的小房间，一间备用小客房。客厅就是画画的地方。房间很阴暗。但是画家在客厅里装了射灯，射灯打在墙上的画作之上，还是别有一番味道。
这与我想象的大画室是截然不同的。在这样的环境里创作，画家本人会是一种怎样的心理状态？后来，因为相识了就会经常去他的画室喝茶坐坐，有时候不说话，他画画，我就在一边喝茶看书。在创作中，他很少说话，视线始终在画布和颜料盘之间切换。那天得一个瞬间，我体会到的是一种孤独感。后来有机会我也问过画家这样的问题，这些年在创作中是一种怎样的心态。他说，很静，静到孤独。（见图）
2016年，我又采访了一位台湾制香老师。家族是做传统香产业的，但是他却硬是要背离家族的产业而选择了香道这个冷门得不得了的手艺。这两者是有区别的。他父亲说，接受家族产业就是每天真金白银地赚钱，做香道就是不务正业，养家糊口都难。但是他很固执，固执得不惜与父亲很长一段时间不说话。遇到再大的困难也不会向父亲低头。那天的采访时在晚上进行的，一共聊了四个小时，从七点料到将近晚上12点。在采访中，他数次落泪，一个近四十的男人，居然在采访中落泪了。这让我有点匪夷所思，后来也觉得情有可原。那天的采访称得上是我做得最为成功的采访案例之一。他在谈到自己的坚守的时候，同样提到了孤独感。他说坚持做自己喜欢的事情就是孤独的。但是，又因为孤独感让他迷恋上自己所做的事情。孤独感让他更加不愿意放下执着的香道。在香道中，也因为孤独，他可以寻得内心的宁静。（见图）
这大概也是许多手艺人或者艺术从业者的普遍心理状态：面对市场和外人的不解，只有孤独地坚守。
在美术创作中，孤独感可以让艺术家更加真实地面对自我以及自己的作品。只有当自己孤独的时候，才能真正意义上与自己对话，与作品对话。在这样的对话中感知创作的内在生命气息。当我们看一幅古画的时候，许多时候也可以从画面语言中感受到孤独的蛛丝马迹。比如，范宽在《溪山行旅图》中，面对这样浑厚的山峦，而人在大自然面前何其渺小。小到甚至得用放大镜才能找到人的存在。更有趣的是，范宽在这幅画中有一个隐藏得很深的签名，千百年来很少被人发现，知道上个世纪才被台湾学者李霖灿先生意外发现。在这里面，何尝不是范宽内心的孤独使然。
我想，很多艺术家或者手艺人都会有这样的心境。
美术创作中的心理要素是什么：对美的感知，想象，情感和理解。美术创作必须发自内在冲动，艺术贵在情真意切。
我的这组创作，灵感来源于对娇美女孩的欣赏，和对花以及装饰图案的喜爱，下面这张画：把女孩想像成了类似狮身人面像的女神，但又把头发处理成了平面的，并画上了装饰纹，于是出现了一幅有神秘感的画面。这幅画创作的全过程就要依托对美丽女孩的感知，想象和喜爱。
下面还有两张，也是把女孩想像成了像花一样圣洁的女神：艺术的产生往往受其社会、地理、种族、生理、宗教、文化因素等诸因素的影响，倘若将其视为自足的系统无限细分便可得一无限开放的理论体系。在艺术创作中精神结构与心理能量也是构成艺术创作的重要因素，前者贯穿于个体创作的各阶段是实质要素，后者则为前者的方向提供必要的动力，赋以独有色彩为形式要素。
某件艺术品何以成为可能?倘若失却了对客体的观照，艺术将成为不可能，人无法思虑不存在的对象和感觉莫须有的实体，心灵也无法不假客体直接呈现自身的意象。同样，客体若缺乏心灵观照也失却其意义，主客体的存在是审美和创造的前提，主体即作为艺术创作的人，客体即物象。当美不能直接地将自身揭示给心灵，只有依靠心灵的关照加以照亮时，艺术家便通过作品将其表达，那表达何以成为可能?客体进入主体的第一阶段是感官，感官凭借特定的身体器官捕捉事物的形态。嗅觉、触觉。听觉、味觉为认识提供前在条件和原材料；色彩、韵律、温度、气味等感觉分子在知觉的挟聚下源源不断地涌入大脑皮层形成综合印象，对艺术材料的综合感受为艺术创作提供原型，无论在以后诸阶段内艺术家是否采用艺术材料所提供的客观原型，感官的存在是创作的必要条件，感官能力的强弱也是决定艺术的表现力，创作者可以缺乏某种或某几种感官，但不能丧失所有的感官。既然感官是储存艺术作品的百宝囊，那么艺术家必然是敏感的人，诚如庞德所言“艺术家是人类心灵的触须。他们在事物中捕捉的并非大体或笼统的变化而是最微小的波动，当他越是敏感，他的作品就越具有表现力，闻人所未闻，视人所不见并将其表达”“我是一个敏感的人，在常人擦破一点皮的伤，与我却是流血不已，疼痛难当”。普希金所言正是对艺术家敏感的文学表达，因此，作为气质性要素的感官和作为主观性要素的敏感，构成感觉进入审美的第一阶段。儿童的心灵是纯洁的，不受经验、习惯、道德的阻隔直接进入事物，具有观照美的天然禀赋，因为他们对自然和人怀有崇敬和陌生感，尚未形成自己的偏见，故而能让事物依本来的面目呈现真相。他们并不期待事物以自己的想象的样子去说，而是不断地观察，不断地问，让事物自己说话，依自己的方式说话，直到赋予其生命。故而诧异是艺术创作的情绪要素。在这一阶段，万物被赋予生命，诧异使每一块岩石，每一粒尘埃，每一缕光线都开始说话、唱歌，以至翱翔。